표기법
악보에서는 1600년경부터 모든 음표를 2분할로 나누었다. 또한 음표를 확장하기 위해 점점과 끈을 사용했고, 셋잇단음표에 숫자를 붙였다. 마디는 혼동을 피하기 위해 이미 16세기에 표기법에 사용되기 시작했습니다. 1600년경부터 바로크 음악은 르네상스 음악보다 박자에 더 중점을 두게 되었는데, 이는 마디에 의해 결정되는 박자의 의미를 가지게 되었기 때문이다. 양적 길이를 나타내던 멘수라 표기법은 1600년경, 특히 Bessler가 단계적 악센트 시간이라고 부르는 댄스 음악의 영향으로 역학의 차이가 있는 질적 표기법으로 바뀌었습니다. 규칙적인 다이나믹을 가진 오늘날의 리듬 비트는 이때부터 사용되었습니다.
감정 이론
감성이론은 바로크 음악의 대표적인 특징이다. 다양한 감정을 음악적으로 표현한 것으로 특정한 소리 패턴과 감정을 조합하여 사용한다. 예를 들어 장조, 자음, 고음, 빠른 템포는 기쁨을 의미하고 단조, 불협화음, 저음, 느린 템포는 슬픔을 의미하여 가사의 감정적 내용을 표현합니다. 또한 별, 사랑, 하늘 등 의미 있는 내용을 담은 단어를 집착에 담았다. 이 감정론은 음운론과 함께 체계화되었다. 바로크 작곡가들은 르네상스 이전의 작곡가들처럼 특정 단어의 의미를 음악으로 표현하려 했습니다. 소리 유형 이론은 이러한 상징적 소리 유형의 일반화를 나타냅니다. 16세기부터 18세기까지의 음악은 약간의 차이는 있지만 대부분 음형론과 관련이 있다. 이 이론은 주로 성악에 관한 것이지만 기악에도 적용되었습니다. 휴머니즘의 영향을 받아 그리스어나 라틴어 이름을 가진 150여 가지의 소리 패턴은 서술 형식이나 선율 변화에 따라 다양하게 분류되었다. 소나무 이론은 16세기의 마드리갈에서부터 17세기와 18세기의 오페라와 칸타타에 이르기까지 광범위한 영향을 미쳤습니다. 16세기의 Ratso와 17세기의 Monteverdi는 음형론을 가장 잘 활용한 사람들이라고 할 수 있다. 16세기와 18세기에 이 이론을 체계화한 것은 Voormeister, Bernhard, Scheibe와 같은 독일 이론가들이었다. Schitz와 Bach는 또한 음운 이론을 가장 두드러지게 활용한 독일 작곡가들 중 하나였습니다.
계속되는 저음
계속되는 저음은 바로크 음악의 화성 기반이며 가장 중요한 작곡 기법입니다. 이 기법은 16세기 다성음악의 저음부를 자유롭게 함께 연주하는 악기의 저음부에서 비롯되었습니다. 이 조용한 음성 반주는 모든 목소리를 부를 보컬리스트가 충분하지 않을 때 음악이 갑자기 멈추는 것을 방지했습니다. 16세기 연속저음의 출현은 3화음이 화성학의 기초가 되었음을 의미한다. 초기 3화음은 음계 내 음으로 구성된 단조로움으로 숫자로 녹음하기 쉬웠고, 숫자의 녹음 없이 저음만으로 즉흥 연주가 가능했다. 따라서 바로크 음악은 장식으로 자유롭게 추가될 수 있었습니다. 즉 연속 저음의 사용으로 즉흥적 요소가 연주에 깊숙이 개입할 수 있어 연주자의 능력에 따라 선율에 더 풍부한 장식을 더할 수 있었다. 바로크 음악의 중요한 작곡 기법 중 하나인 모노디에는 이러한 즉흥적이고 장식적인 요소가 이미 포함되어 있습니다. 중앙 선율 자체도 가변적이며, 저음 부분으로 이어지는 연속적인 저음은 연주자가 임의로 화성적 변주를 연주할 수 있도록 하는 특성이 있습니다.
협주곡 스타일
협주곡 스타일은 또한 Barot의 중요한 작곡 기법 중 하나입니다. 협주곡 스타일은 각 파트의 고유성을 강조하고 각 파트의 연속적인 베이스를 기반으로 즉흥 연주를 통해 보다 자유롭게 구성되었다. 협주곡은 콩쿠르와 협주곡의 두 가지 측면이 있는데, 바로크 음악에서 강조하는 개념은 대조이다. 이 시대에는 공연 단체 대 공연 단체 또는 성악 및 기악 단체가 서로 경쟁하는 것을 협주곡으로 간주했습니다. 각 성부가 번갈아 가며 휴식을 취하고 코러스(앙상블) 그룹이 번갈아 가며 독창성이 두드러지며 자유동기 기법을 자주 사용했다. 바로크 협주곡은 크게 성악과 기악으로 나눌 수 있다. 초기 협주곡은 주로 성악곡이었으며 모테트와 마드리갈의 전통에서 파생되었습니다. 성악 협주곡은 1~3명의 솔리스트와 연속 베이스를 기반으로 한 솔리스트 몇 명과 함께 연주했다. 바로크 기악 협주곡에는 옛 베네치아 전통에 따라 여러 앙상블 그룹이 경연하는 멀티 앙상블 협주곡, 독주자가 대규모 앙상블 그룹과 경연하는 콘체르토 그로소, 콘체르토 그로소보다 다소 늦게 만들어진 독주 협주곡이 있다. 1670년경부터 이탈리아 북부에서 발전된 콘체르토 그로소(Concerto Grosso)가 있는데, 솔리스트 그룹은 종종 트리오 소나타처럼 기본적으로 2개의 바이올린(또는 플루트, 오보에)과 첼로와 쳄발로로 조직되었습니다.